Placez une panthère Art Déco dans une pièce et les regards s’y attardent. Pas juste un instant, mais vraiment. Comme s’il se passait quelque chose qu’on ne parvient pas à expliquer tout de suite. Ce ressenti n’a rien d’un hasard.

Derrière cette silhouette épurée se cache toute une histoire de force, de luxe et de perfection façonnée par l’histoire. C’est précisément ce qui explique pourquoi ces sculptures en bronze ont encore aujourd’hui un tel impact dans un intérieur.

Pourquoi la panthère s’impose-t-elle en Art Déco ?

Pourquoi justement une panthère ? Il existe bien d’autres animaux. Mais aucun ne correspond aussi parfaitement au langage de l’Art Déco.

La panthère est naturellement élancée, presque géométrique. Ce corps musclé, cette posture basse, cette puissance maîtrisée. On dirait que la sculpture peut se mettre en mouvement à tout moment. Des artistes comme Maurice Prost n’avaient plus qu’à ramener cette forme à l’essentiel. Ce qu’il en reste est pur. Et puissant.

Il y a aussi toute une symbolique derrière. Dans les années 1920 et 1930, la panthère incarnait le luxe, la vitesse et une tension sous-jacente. Ni agressive, ni vraiment paisible. C’est cette nuance qui la rend si fascinante.

Et puis, il y a la fascination pour l’exotisme. À l’époque Art déco, on rêvait de contrées lointaines et d’aventure. La découverte du tombeau de Toutânkhamon en 1922 n’a fait qu’alimenter cet imaginaire. Joséphine Baker traversait la scène parisienne avec un guépard apprivoisé nommé Chiquita, paré d’un collier de diamants. Soudain, cet univers de mystère et de symboles entrait dans le salon, et la panthère en bronze en devenait presque naturellement un élément à part entière.

Nos sculptures de panthères Art Déco préférées

Maurice Prost – Sa panthère en marche de 1927 incarne l’essence même de la sculpture de panthère Art Déco. Un jeu de lignes tendues et un vrai sentiment de mouvement, renforcé encore par le socle incliné en marbre noir belge.

Max Le Verrier – Des modèles comme Baghera et Ouganda sont plus doux, tout en restant puissants. Toujours réalisés en métal patiné sur marbre noir.

Georges Lavroff – Sa panthère en approche, gueule ouverte, dégage une intensité pure.

Irenée Rochard – Son couple de panthères évoque davantage la tendresse que la menace.

Michel Decoux – Ses panthères stylisées en bronze patiné associent raffinement et précision Art Déco.

André Vincent Becquerel – Une panthère en marche furtive en bronze patiné, fondue par Susse Frères à la technique de la cire perdue.

« La force de la forme, l’élégance de la démarche, la tension qui affleure sous la surface. Pas besoin de l’expliquer à quelqu’un qui la ressent. On la comprend tout simplement. » – Marjolein, Deconamic

Où une panthère Art Déco trouve-t-elle sa place dans votre intérieur ?

Une panthère Art Déco s’intègre dans bien plus d’intérieurs qu’on ne le pense.

Dans un intérieur moderne, elle crée un contraste parfait.

Dans un espace classique, elle s’intègre naturellement.

Dans un intérieur éclectique, elle relie les styles entre eux.

Un grand modèle devient une pièce maîtresse sur une console ou une cheminée. Un petit modèle reste plus discret mais tout aussi présent.

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Acheter une panthère Art Déco : quel budget prévoir ?

La collection Deconamic va de 950 € à 14 500 €, avec la majorité des pièces entre 1 500 € et 3 800 €.

Questions fréquentes sur les panthères Art Déco

Pourquoi les panthères Art déco sont-elles si populaires ?

Parce qu’elles associent géométrie et émotion, puissance et élégance.

Dans quel intérieur une panthère Art Déco trouve-t-elle sa place ?

Dans les intérieurs modernes, classiques et éclectiques.

Où placer une panthère Art Déco ?

Sur une cheminée, une console, un bureau ou une bibliothèque.

Une panthère Art Déco est-elle un choix durable ?

Oui, le bronze est un matériau durable et intemporel.

Quel est le prix d’une sculpture de panthère Art Déco ?

Entre 950 € et 14 500 € selon le modèle.

À la recherche de la bonne sculpture ?

Une panthère Art déco n’est pas seulement un objet décoratif, mais une rencontre entre forme, histoire et émotion.

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Certains artistes s’élèvent mutuellement — non pas par la compétition, mais par la connexion. C’était le cas de Pierre Le Faguays et Raymonde Guerbe, un couple uni par l’amour… et par le bronze. Avec leurs amis Max Le Verrier et Marcel Bouraine, ils formaient un quatuor qui a marqué l’histoire de l’Art Déco.

Mais aujourd’hui, intéressons-nous surtout au duo Le Faguays–Guerbe : qui étaient-ils, comment travaillaient-ils, et qu’est-ce qui rendait leur collaboration si particulière ? Deux artistes Art Déco dont les sculptures séduisent encore aujourd’hui les collectionneurs du monde entier.

Découvrez notre collection de sculptures de Pierre Le Faguays.

Une vie en sculpture : la biographie de Pierre Le Faguays

Pierre Le Faguays naît à Nantes en 1892 et étudie auprès de James Vibert à l’École des Beaux-Arts de Genève. C’est là qu’il noue des liens indéfectibles avec Max Le Verrier et Marcel Bouraine, amitiés à la fois artistiques et personnelles qui dureront toute une vie.

Sa première exposition publique importante a lieu en 1922 au Salon de la Société des Artistes Français. Les années suivantes lui apportent plusieurs distinctions, et il devient une figure incontournable du monde artistique parisien.

Le Faguays signe ses œuvres sous son propre nom, mais aussi sous les pseudonymes Fayral et Pierre Laurel. Son œuvre est d’une grande diversité : monuments, lampes, danseuses dynamiques en bronze, céramique, métal ou terre cuite. Son style est typiquement Art Déco : élégant, énergique et empreint de mouvement.

Il travaille souvent d’après modèle vivant, ce qui confère à ses sculptures une vitalité remarquable.

Côté personnel, sa vie connaît quelques détours. Il a une fille avec son modèle Georgette Hugot, mais trouve finalement l’amour auprès de son élève Raymonde Guerbe, qu’il épouse en 1921. Le couple vivra et travaillera plus de quarante ans à Fontenay-les-Briis, inséparables jusqu’à la mort de Pierre en 1962.

Quels matériaux Le Faguays utilisait-il pour ses sculptures ?

• Bronze
• Ivoire
• Metal d’Art
• Terre cuite
• Céramique
• Albâtre

Raymonde Guerbe : bien plus qu’une muse

Raymonde Guerbe, qui signe parfois Andrée Guerval, naît à Paris en 1894. Artiste accomplie, elle suit vers 1919 des cours de danse à l’école d’Isadora Duncan. Elle y développe une élégance naturelle et un sens aigu du mouvement, qui marqueront toute son œuvre sculptée.
C’est à cette époque qu’elle rencontre Pierre Le Faguays, son futur maître et époux. Leur union sera à la fois intime et créative.

Guerbe n’est pas restée dans l’ombre de son mari : elle a mené une carrière autonome, avec une signature artistique bien à elle.

Elle expose au Salon d’Automne de 1923 à 1938, présentant des figures féminines en ébène, des sculptures en cuivre poli et des œuvres en pierre. Ses bronzes et ivoires sont édités par des maisons prestigieuses telles que Les Neveux de Lehmann, Susse Frères, Etling et Max Le Verrier. Bien qu’elle collabore souvent avec Pierre, les œuvres signées Guerbe ou Guerval sont bel et bien les siennes.

Elle fut aussi peintre, modèle et muse, mais avant tout une femme discrète qui laissa une empreinte durable sur l’Art Déco. Ses sculptures expriment la grâce, la force et la féminité, méritant de figurer aux côtés de celles de son mari, et non en dessous.

Son œuvre occupe une place légitime parmi les sculptures Art Déco, en tant qu’artiste indépendante à la signature reconnaissable.

Découvrez nos sculptures authentiques de Raymonde Guerbe.

Un mariage de bronze : collaboration et art partagé

Ce qui rend Pierre et Raymonde si uniques ? La façon dont leurs vies et leurs œuvres se mêlent naturellement. Ils vivent et travaillent ensemble dans leur maison-atelier de Fontenay-les-Briis, où création et quotidien ne font qu’un.

Raymonde sert souvent de modèle à Pierre, et son passé de danseuse insuffle à ses sculptures une élégance fluide et naturelle. Beaucoup de ses figures féminines les plus célèbres lui doivent directement leurs poses.

Mais leur relation artistique n’est pas à sens unique. Ils travaillent côte à côte, en terre cuite, plâtre, marbre, céramique, bronze et albâtre, chacun avec son style propre, mais dans la même sphère d’influence. Leur art partage le même souci de l’anatomie, du mouvement et de l’émotion. En 1927, Raymonde remporte le premier prix de sculpture du concours Robi, reconnaissance de son talent individuel.

Leur atelier commun est un lieu de dialogue, d’inspiration et de maîtrise technique. Financièrement, ils connaissent aussi le succès,  jusqu’à posséder une élégante Citroën H4 pliante.

Mais ce qu’ils partagent de plus précieux, ce n’est pas un bien matériel : c’est une vision commune de la beauté, de la forme et de la connexion humaine.

L’amitié comme socle créatif : le quatuor avec Le Verrier et Bouraine

L’histoire de Pierre Le Faguays et Raymonde Guerbe ne peut être racontée sans évoquer leurs amis Max Le Verrier et Marcel Bouraine. Ce qui les unit dépasse le cadre académique ou professionnel : c’est une amitié profonde née à Genève, qui perdure bien au-delà de leur disparition. Ils ont étudié ensemble, connu le succès ensemble, et reposent aujourd’hui côte à côte au cimetière de Fontenay-les-Briis.

La force de leur lien réside dans des idéaux communs : la beauté, le rythme et le savoir-faire.
Comme Max le dira plus tard :

« Nous travaillions tous dans le même esprit, avec les mêmes idéaux.
J’aimais profondément mes chers amis et je remercie la vie de m’avoir offert cette amitié. »

Cette harmonie se ressent dans leurs œuvres, dans la grâce d’une danseuse, la tension d’une amazone, la puissance d’une silhouette.

Techniquement, ils partagent fonderies, modèles et matériaux. Artistiquement, ils sont le reflet l’un de l’autre. Mais surtout, ils sont un repère mutuel dans une époque parfois incertaine pour les artistes. Leur amitié fut leur socle, et elle se ressent encore aujourd’hui dans leurs créations.

Ce que l’art révèle vraiment

Observer une sculpture de Le Faguays ou de Guerbe, c’est voir bien plus qu’une forme ou une technique. C’est découvrir une vie partagée, un atelier commun, un amour rendu tangible dans le bronze. Et c’est ressentir l’écho d’une amitié qui fit d’eux, et de leurs amis, de plus grands artistes qu’ils ne l’auraient été seuls.

C’est peut-être là le secret de leur intemporalité : leurs œuvres ne sont pas des objets figés, mais des témoignages vivants de la connexion humaine.

Foire aux questions sur Le Faguays et Guerbe

Comment reconnaître une sculpture originale de Le Faguays ou Guerbe ?
Observez la signature, le matériau (bronze, metal d’art…), la finition et la provenance. Chez Deconamic, chaque œuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité et d’une documentation détaillée.

Les œuvres de Guerbe ont-elles la même valeur que celles de Le Faguays ?
Oui. Longtemps restée dans l’ombre de son mari, la reconnaissance pour son travail autonome ne cesse de croître. Ses sculptures sont techniquement raffinées, féminines et très recherchées.

Puis-je acheter leurs œuvres chez Deconamic ?
Bien sûr. Nous proposons une collection rigoureusement sélectionnée de sculptures Art Déco originales de Le Faguays et Guerbe. Découvrez notre collection ou contactez-nous pour un conseil personnalisé.

Que signifie “pseudonyme” ?
Un pseudonyme est un nom d’artiste utilisé pour signer une œuvre. Le Faguays, par exemple, signait Fayral pour ses sculptures en métal.

Intéressé(e) ou des questions ?
Vous recherchez une œuvre authentique de Pierre Le Faguays ou Raymonde Guerbe ?

Contactez-nous! Nous serons ravis de vous aider à enrichir votre collection Art Déco.

Ses créations – danseuses gracieuses et puissantes amazones – sont visibles dans des musées, sur le marché de l’art et bien sûr chez Deconamic. 

Une sculpture Marcel Bouraine reste très recherchée par les collectionneurs du monde entier.

Qui était Marcel Bouraine ?

Marcel André Bouraine est né en 1886 à Pontoise, France, et décéda en 1948 à Biot. Pendant la Première Guerre mondiale, il fut capturé par les Allemands et interné en Suisse. C’est là qu’il rencontra d’autres artistes, dont Max Le Verrier, avec qui il noua une amitié pour la vie.

Après la guerre, il étudia et travailla à Genève, relançant sa carrière de sculpteur.

Bouraine était en grande partie autodidacte, mais il étudia aussi avec Jean-Alexandre-Joseph Falguière, un sculpteur qui réintroduisit le réalisme dans la sculpture française. Plus tard, il exposa à Genève puis s’installa de nouveau à Paris, où il participa à d’importantes expositions.

Il partagea sa vie avec l’artiste Aurore Onu.

Amitié avec Max Le Verrier

Bouraine était un proche ami de Max Le Verrier, autre figure iconique de l’Art Déco. Avec Pierre Le Faguays, ils formèrent un cercle soudé. Une photo de Genève (1918) montre même Bouraine et Le Verrier travaillant ensemble sur une sculpture. Ils avaient tous deux étudié à l’École des Beaux-Arts de Genève.

Leur collaboration fut intense : Bouraine fit fondre ses œuvres dans la fonderie de Le Verrier et utilisa parfois les pseudonymes Derenne et Briand. Grâce à ce partenariat, ses sculptures furent largement diffusées et accessibles aussi bien aux musées qu’aux collectionneurs privés.

Style et thèmes de ses sculptures

L’art de Bouraine se caractérise par des figures féminines stylisées, des danseuses comme la Fan Dancer, et des amazones. Il représentait le mouvement avec élégance et puissance, souvent avec une touche décorative.

Il créa aussi des figures mythologiques telles que Penthesilée, reine des Amazones, Léda et le Cygne, Pan avec satyres et Diane chasseresse, ainsi que des personnages théâtraux comme des Arlequins, des Pierrots et des clowns.

Son œuvre comprenait également des animaux (baleines, oiseaux, marabouts, lévriers, gazelles) et des objets décoratifs tels que des serre-livres et presse-papiers, dont certains furent même vendus à New York par Alfred Dunhill.

Ses sculptures sont typiques du style Art Déco : lignes épurées, formes décoratives et équilibre entre beauté et force.

Qu’est-ce que l’Art Déco ? Mouvement artistique des années 1920–1930, reconnaissable par ses formes géométriques, ses matériaux luxueux et ses figures stylisées.

Expositions et carrière

Après la Première Guerre mondiale, Bouraine bâtit sa carrière à Paris. Il exposa au Salon des Tuileries (1922/23), au Salon des Indépendants, à la Société des Artistes Français et au Salon d’Automne.

Dans les années 1920, il travailla avec des éditeurs parisiens prestigieux tels que Etling et Cie, Susse Frères, Max Le Verrier et Arthur Goldscheider. Grâce à Goldscheider, il participa aussi aux groupes d’artistes La Stèle et L’Évolution.

Sa reconnaissance internationale croît rapidement : en 1935, la ville de Paris acheta un buste en terre cuite, et en 1937 il reçut des commandes prestigieuses à l’Exposition Internationale des Arts et Techniques de Paris. Il y réalisa un relief monumental en ciment coloré de 12 m² pour une fontaine, ainsi qu’une grande sculpture en céramique pour le pavillon de Sèvres.

Quels matériaux utilisait Marcel Bouraine ?

Marcel Bouraine travailla divers matériaux et techniques :

• Bronze : souvent patiné, doré ou argenté
• Chryselephantine : combinaison de bronze et d’ivoire
• Pâte de verre : poudre de verre fondue dans un moule
• Terre cuite et céramique : bustes et pièces décoratives
• Marbre et onyx : pour certaines sculptures et les socles

Sa maîtrise variée témoigne de sa polyvalence et de ses collaborations avec différents ateliers. Sa coopération avec Gabriel Argy-Rousseau mena, par exemple, à de remarquables œuvres en verre comme la Danseuse (1928).

La force de ses bronzes

Les sculptures en bronze de Marcel Bouraine comptent parmi ses œuvres les plus admirées. Il utilisa souvent la technique de la cire perdue, méthode traditionnelle où l’on modèle d’abord une sculpture en cire avant de la couler en bronze. Cela permettait de reproduire parfaitement chaque détail de mouvement, de muscle et d’expression.

Bouraine choisissait des patines élégantes – vertes, brunes, argentées ou dorées – qui donnaient à ses œuvres une vitalité particulière. Ses danseuses, amazones et figures mythologiques en bronze restent des exemples emblématiques du style Art Déco et sont encore collectionnées dans le monde entier.

Où ses œuvres furent-elles produites ?

Bouraine collabora avec plusieurs ateliers et fonderies :

• Max Le Verrier : bronze, régule, métal d’art, souvent sous les pseudonymes Briand ou Derenne
• Susse Frères : fonderie parisienne prestigieuse
• Etling, Paris : producteur de sculptures en bronze, ivoire et céramique
• Arthur Goldscheider : éditeur d’œuvres en bronze, terre cuite et céramique
• Gabriel Argy-Rousseau : collaboration en verre (pâte de verre)

Ces collaborations firent de Bouraine l’un des sculpteurs les plus prolifiques de sa génération.

Œuvres célèbres de Marcel Bouraine

Parmi ses sculptures les plus connues :

• Fan Dancer (danseuse nue avec éventail)
• Danse Païenne, signée Derenne
• Penthesilée, reine des Amazones – au Norwich Castle Museum
• Dancing Woman with Hoop – à l’Art Institute of Chicago
• Divers nus féminins en bronze et ivoire – exposés à Paris dans les années 1920 et 1930

Chez Deconamic, vous pouvez régulièrement découvrir des œuvres authentiques, comme une danseuse en bronze sur socle de marbre ou une gracieuse baleine en bronze et albâtre.

Questions fréquentes sur Marcel Bouraine

Qu’est-ce qui rend une sculpture Marcel Bouraine spéciale ?

Une sculpture Marcel Bouraine se distingue par l’élégance du mouvement, le style Art Déco et des matériaux raffinés. Chaque pièce est à la fois une œuvre d’art et un objet décoratif.

Un original est-il meilleur qu’une reproduction ?

Oui. Les bronzes originaux sont signés, portent souvent un cachet de fonderie et ont une valeur bien supérieure aux reproductions ultérieures.

Quel est le prix d’une œuvre de Bouraine ?

Les petites sculptures en bronze ou métal patiné de Bouraine se vendent généralement entre 1.000 et 5.500 €. Les pièces plus grandes ou spéciales, comme les chryselephantines (bronze et ivoire), atteignent des prix bien plus élevés.

Pourquoi acheter un Bouraine chez Deconamic ?

Chez Deconamic, vous êtes assuré de l’authenticité, de la provenance et de la qualité. Nous travaillons directement avec des experts reconnus et proposons des chefs-d’œuvre Art Déco d’artistes tels que Marcel Bouraine, Pierre Le Faguays et Max Le Verrier.

Découvrez notre collection de sculptures Marcel Bouraine et trouvez des pièces Art Déco uniques pour votre intérieur ou votre collection.

Des questions ? N’hésitez pas à nous contacter, nous vous répondrons avec plaisir.

Ses créations – danseuses gracieuses et puissantes amazones – sont visibles dans des musées, sur le marché de l’art et bien sûr chez Deconamic. 

Une sculpture Marcel Bouraine reste très recherchée par les collectionneurs du monde entier.

Qui était Marcel Bouraine ?

Marcel André Bouraine est né en 1886 à Pontoise, France, et décéda en 1948 à Biot. Pendant la Première Guerre mondiale, il fut capturé par les Allemands et interné en Suisse. C’est là qu’il rencontra d’autres artistes, dont Max Le Verrier, avec qui il noua une amitié pour la vie.

Après la guerre, il étudia et travailla à Genève, relançant sa carrière de sculpteur.

Bouraine était en grande partie autodidacte, mais il étudia aussi avec Jean-Alexandre-Joseph Falguière, un sculpteur qui réintroduisit le réalisme dans la sculpture française. Plus tard, il exposa à Genève puis s’installa de nouveau à Paris, où il participa à d’importantes expositions.

Il partagea sa vie avec l’artiste Aurore Onu.

Amitié avec Max Le Verrier

Bouraine était un proche ami de Max Le Verrier, autre figure iconique de l’Art Déco. Avec Pierre Le Faguays, ils formèrent un cercle soudé. Une photo de Genève (1918) montre même Bouraine et Le Verrier travaillant ensemble sur une sculpture. Ils avaient tous deux étudié à l’École des Beaux-Arts de Genève.

Leur collaboration fut intense : Bouraine fit fondre ses œuvres dans la fonderie de Le Verrier et utilisa parfois les pseudonymes Derenne et Briand. Grâce à ce partenariat, ses sculptures furent largement diffusées et accessibles aussi bien aux musées qu’aux collectionneurs privés.

Style et thèmes de ses sculptures

L’art de Bouraine se caractérise par des figures féminines stylisées, des danseuses comme la Fan Dancer, et des amazones. Il représentait le mouvement avec élégance et puissance, souvent avec une touche décorative.

Il créa aussi des figures mythologiques telles que Penthesilée, reine des Amazones, Léda et le Cygne, Pan avec satyres et Diane chasseresse, ainsi que des personnages théâtraux comme des Arlequins, des Pierrots et des clowns.

Son œuvre comprenait également des animaux (baleines, oiseaux, marabouts, lévriers, gazelles) et des objets décoratifs tels que des serre-livres et presse-papiers, dont certains furent même vendus à New York par Alfred Dunhill.

Ses sculptures sont typiques du style Art Déco : lignes épurées, formes décoratives et équilibre entre beauté et force.

Qu’est-ce que l’Art Déco ?
Mouvement artistique des années 1920–1930, reconnaissable par ses formes géométriques, ses matériaux luxueux et ses figures stylisées.

Expositions et carrière

Après la Première Guerre mondiale, Bouraine bâtit sa carrière à Paris. Il exposa au Salon des Tuileries (1922/23), au Salon des Indépendants, à la Société des Artistes Français et au Salon d’Automne.

Dans les années 1920, il travailla avec des éditeurs parisiens prestigieux tels que Etling et Cie, Susse Frères, Max Le Verrier et Arthur Goldscheider. Grâce à Goldscheider, il participa aussi aux groupes d’artistes La Stèle et L’Évolution.

Sa reconnaissance internationale croît rapidement : en 1935, la ville de Paris acheta un buste en terre cuite, et en 1937 il reçut des commandes prestigieuses à l’Exposition Internationale des Arts et Techniques de Paris. Il y réalisa un relief monumental en ciment coloré de 12 m² pour une fontaine, ainsi qu’une grande sculpture en céramique pour le pavillon de Sèvres.

Quels matériaux utilisait Marcel Bouraine ?

Marcel Bouraine travailla divers matériaux et techniques :

• Bronze : souvent patiné, doré ou argenté
• Chryselephantine : combinaison de bronze et d’ivoire
• Pâte de verre : poudre de verre fondue dans un moule
• Terre cuite et céramique : bustes et pièces décoratives
• Marbre et onyx : pour certaines sculptures et les socles

Sa maîtrise variée témoigne de sa polyvalence et de ses collaborations avec différents ateliers. Sa coopération avec Gabriel Argy-Rousseau mena, par exemple, à de remarquables œuvres en verre comme la Danseuse (1928).

La force de ses bronzes

Les sculptures en bronze de Marcel Bouraine comptent parmi ses œuvres les plus admirées. Il utilisa souvent la technique de la cire perdue, méthode traditionnelle où l’on modèle d’abord une sculpture en cire avant de la couler en bronze. Cela permettait de reproduire parfaitement chaque détail de mouvement, de muscle et d’expression.

Bouraine choisissait des patines élégantes – vertes, brunes, argentées ou dorées – qui donnaient à ses œuvres une vitalité particulière. Ses danseuses, amazones et figures mythologiques en bronze restent des exemples emblématiques du style Art Déco et sont encore collectionnées dans le monde entier.

Où ses œuvres furent-elles produites ?

Bouraine collabora avec plusieurs ateliers et fonderies :

• Max Le Verrier : bronze, régule, métal d’art, souvent sous les pseudonymes Briand ou Derenne
• Susse Frères : fonderie parisienne prestigieuse
• Etling, Paris : producteur de sculptures en bronze, ivoire et céramique
• Arthur Goldscheider : éditeur d’œuvres en bronze, terre cuite et céramique
• Gabriel Argy-Rousseau : collaboration en verre (pâte de verre)

Ces collaborations firent de Bouraine l’un des sculpteurs les plus prolifiques de sa génération.

Œuvres célèbres de Marcel Bouraine

Parmi ses sculptures les plus connues :

• Fan Dancer (danseuse nue avec éventail)
• Danse Païenne, signée Derenne
• Penthesilée, reine des Amazones – au Norwich Castle Museum
• Dancing Woman with Hoop – à l’Art Institute of Chicago
• Divers nus féminins en bronze et ivoire – exposés à Paris dans les années 1920 et 1930

Chez Deconamic, vous pouvez régulièrement découvrir des œuvres authentiques, comme une danseuse en bronze sur socle de marbre ou une gracieuse baleine en bronze et albâtre.

Questions fréquentes sur Marcel Bouraine

Qu’est-ce qui rend une sculpture Marcel Bouraine spéciale ?

Une sculpture Marcel Bouraine se distingue par l’élégance du mouvement, le style Art Déco et des matériaux raffinés. Chaque pièce est à la fois une œuvre d’art et un objet décoratif.

Un original est-il meilleur qu’une reproduction ?

Oui. Les bronzes originaux sont signés, portent souvent un cachet de fonderie et ont une valeur bien supérieure aux reproductions ultérieures.

Quel est le prix d’une œuvre de Bouraine ?

Les petites sculptures en bronze ou métal patiné de Bouraine se vendent généralement entre 1.000 et 5.500 €. Les pièces plus grandes ou spéciales, comme les chryselephantines (bronze et ivoire), atteignent des prix bien plus élevés.

Pourquoi acheter un Bouraine chez Deconamic ?

Chez Deconamic, vous êtes assuré de l’authenticité, de la provenance et de la qualité. Nous travaillons directement avec des experts reconnus et proposons des chefs-d’œuvre Art Déco d’artistes tels que Marcel Bouraine, Pierre Le Faguays et Max Le Verrier.

Découvrez notre collection de sculptures Marcel Bouraine et trouvez des pièces Art Déco uniques pour votre intérieur ou votre collection.

Des questions ? N’hésitez pas à nous contacter, nous vous répondrons avec plaisir.

Découvrez le fascinant parcours de Max Le Verrier : un homme qui défie les airs, survit à la captivité et devient une véritable icône de l’Art Déco. Voyez comment, avec courage, savoir-faire et sens du beau, il crée des sculptures en bronze et Metal d’Art intemporelles, encore admirées dans le monde entier.
Une histoire pleine d’aventure, d’art et d’élégance intemporelle.

Le parcours de Max Le Verrier ressemble à un roman

Louis Octave Maxime Le Verrier naît le 29 janvier 1891 à Neuilly-sur-Seine, au sein d’une famille d’orfèvres parisiens. Son père, Victor Le Verrier, dirige une prestigieuse maison d’orfèvrerie spécialisée dans les objets de luxe artistiques.

Enfant, Max passe beaucoup de temps dans les ateliers où il observe son père transformer des croquis en œuvres d’argent raffinées. Cet univers nourrit sa passion pour le dessin et la sculpture, ainsi que son sens du détail, des qualités qui marquent ses futures sculptures Art Déco.

Sa mère, Malvina Van Schoor, vient d’une famille belge de pelletiers et de modistes. Après le divorce houleux de ses parents, Max vit une jeunesse agitée mais développe un profond désir d’indépendance.

Jeunesse et formation : une base créative

Max étudie à l’avant-gardiste École des Roches, où discipline et créativité vont de pair. L’enseignement est strict mais aussi libérateur, fortifiant corps et esprit. Il excelle en dessin, en mathématiques et en langues, et il devient vite évident que son cœur appartient à l’art.

Son père, cependant, a d’autres projets : il l’envoie dans des écoles d’agriculture à Saint-Sever et à La Réole. L’agriculture promet un avenir brillant en période de colonisation, mais Max ne s’y sent pas à sa place. Quand son père se remarie en 1907 avec une femme beaucoup plus jeune, Max rompt les liens à seize ans et choisit sa propre voie.

C’est ainsi que commence l’extraordinaire parcours de Max Le Verrier : un chemin plein de détours, de défis et d’opportunités, qui le mène du petit commerce et de la mécanique à l’aviation, et de la captivité à la reconnaissance internationale comme sculpteur Art Déco.

Du petit commerce à pionnier de l’aviation

Sa carrière débute de façon éclectique : maraîcher, fournisseur de fourrures, électricien et mécanicien. Ces compétences techniques lui ouvrent les portes de l’Angleterre, où il découvre le monde naissant de l’aviation. Il y travaille comme mécanicien d’avions et de moteurs.

En 1913, il devient aussi pilote et obtient son brevet sur un avion Caudron. Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, il rejoint l’Armée de l’air française. Ses missions exigent courage et précision.

Héros de guerre et prisonnier

Le 26 mai 1915, Max est abattu près de Douai. Son mitrailleur succombe à ses blessures, tandis que Max est capturé et envoyé dans un camp allemand à Münster. Là, il trouve du réconfort dans la sculpture.

Sa mère lui envoie de l’argile et des outils, et il façonne des portraits et de petites statues de ses codétenus. Ce sont ses premiers pas vers une carrière artistique.

Renaissance artistique en Suisse

En 1917, atteint de tuberculose, Max est interné à Aigle-Leysin en Suisse. Il y rencontre des sculpteurs comme Pierre Le Faguays et Marcel-André Bouraine. Il suit des cours à l’École des Beaux-Arts de Genève et réalise des statuettes en terre cuite et des reproductions qu’il parvient à vendre – ses premiers succès commerciaux.

Après la guerre, à 28 ans, il retourne à la vie civile. Avec peu de moyens mais une forte indépendance et un amour profond pour la sculpture, il décide de devenir sculpteur.

Paris : art, famille et engagement social

À Paris, Max commence sa carrière artistique dans un atelier loué. En 1920, il épouse Jeanne Hubrecht, une femme intelligente et cultivée qui le soutient toute sa vie. Ensemble, ils s’engagent dans des associations contre le racisme et le totalitarisme.

Leur famille s’agrandit avec la naissance de leurs fils Jean-Paul et Bernard, bien que leur fille Sylvie meure tragiquement une semaine après sa naissance.

La consécration : icônes de l’Art Déco

Les années 1920 et 1930 sont la période la plus prolifique de Max Le Verrier. Ses œuvres incarnent l’élégance et la force de l’Art Déco. La plupart sont coulées en Métal d’Art, un alliage à la patine verte caractéristique.

Œuvres célèbres :

• Lampe Clarté : une élégante figure féminine tenant un globe de verre, symbole de lumière et d’espoir.
• Panthère Baghera : un animal stylisé et dynamique, incarnation du mouvement et de la puissance.

Ses sculptures se vendent dans le monde entier et restent très recherchées par les collectionneurs de pièces Art Déco authentiques.

Une signature unique dans la sculpture Art Déco

Ce qui distingue Max Le Verrier, c’est sa capacité à combiner des formes stylisées avec une vitalité palpable. Ses figures – danseuses, athlètes, animaux – dégagent de l’énergie tout en restant équilibrées et harmonieuses.

Il travaille principalement en Métal d’Art et en bronze, parfois associés au marbre ou à l’onyx. Sa patine verte confère à ses sculptures une douceur luxueuse. Dans sa propre fonderie, il supervise chaque étape du processus.

En plus des figures et des animaux, Max crée des lampes Art Déco raffinées qui unissent sculpture et fonctionnalité. Sa lampe la plus célèbre, Clarté, en est l’exemple parfait : une œuvre qui est à la fois source de lumière et pièce maîtresse du parcours de Max Le Verrier.

Influence et héritage

Max Le Verrier est non seulement un artiste, mais aussi un entrepreneur et un homme de réseau. Il collabore avec des sculpteurs comme Pierre Le Faguays et Marcel-André Bouraine. Dans sa fonderie, il réalise aussi les modèles de ses collègues, contribuant à la diffusion de l’Art Déco en Europe et au-delà.

Aujourd’hui, ses œuvres originales restent très recherchées. Grâce à des galeries spécialisées comme Deconamic, les passionnés peuvent encore acquérir des sculptures et lampes Art Déco authentiques de Max Le Verrier – chacune représentant un morceau d’histoire.

Découvrez le parcours de Max Le Verrier chez Deconamic

Chez Deconamic, vous explorez l’ensemble du parcours de Max Le Verrier, de ses premiers pas de sculpteur à sa position emblématique dans l’Art Déco. Vous y trouvez une collection exclusive de sculptures et de lampes authentiques de Max Le Verrier, coulées dans les moules originaux et accompagnées d’un certificat d’authenticité. Chaque pièce est à la fois une œuvre d’art et un chapitre tangible de son histoire.

Découvrez la collection complète et apportez chez vous une part de son remarquable parcours – et la beauté intemporelle de l’Art Déco.

Source du texte:
Max le Verrier, un esprit Art Déco.
Bénédicte Wattel & Damien Blanchet Le Verrier.
Editions Louvre Victoire.